O maior arquétipo simbólico para a pureza são os lírios brancos e, a sua associação com a Virgem Maria foi muito utilizada, inclusive seu sarcófago, todo preenchido com lírios brancos. Estudiosos, explicam que as pétalas brancas representam seu corpo e os estames dourados sua alma, que incandesce com a luz. Estas flores, incrivelmente místicas, aparecem mais frequentemente em pinturas relacionadas à “Anunciação”, representando o momento em que o anjo Gabriel anuncia à Virgem, que ela teria em seu ventre, um filho de Deus.

O status das plantas e flores exóticas iniciou-se no renascimento com os melões e as laranjas, porém, para os Victorianos eram as orquídeas e abacaxis, embora nenhuma planta foi tão associada a riqueza e nobreza como as tulipas. Quando a Holanda emergiu como uma grande nação após décadas de guerra e perseguisões religiosas, os mercantes aventureiros holandeses encurralaram os mercados da Ásia e da América do Norte, gastando na arte e artefatos decorados com tulipas.
Ambrosius Bosschaert, pai fundador da pintura holandesa com flores, adquiriu bons valores pelos seus trabalhos, mas vasos pintados com tulipas custavam dez vezes mais. Anos depois, os girassóis passaram a ser muito populares e inclusos no movimento estético “arte pela arte”

A Girl Seated Outside a House -(Menina sentada no lado de fora da casa) 1867 32.7 x 20.9 cm oil on mahogany A menina na pintura está sentando-se no degrau de uma casa, com uma vista do Montigny-sur-Loing no fundo. Embora a menina esteja vestida com roupas lisas, pobre na época, segura em suas mãos seu chapéu com flores brilhantes. Os girassóis, nesta pintura parecem ser um emblema da esperança, o desejo de um futuro mais brilhante.

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Self-portrait with a Sunflower (Auto retrato, com girassóis) 1633 58.4 x 73 cm oil on canvas O girassol gira para o sol, na pintura, o sol aponta para Anthony Van Dyck, o próprio autor da pintura aponta para a flor em seu estado mais sublime.

As flores estão ligadas às pessoas no nascimento, no percurso da vida e, também na morte, especialmente quando são escolhidas para honrar a memória dos mortos. Muitas pinturas italianas do renascimento, mostram rosas dispersas, entre outras pinturas da Virgem Maria e a criança cercados por flores, e, quando as flores eram vermelhas, estavam ligadas ao sangue de Cristo.
Os lírios tinham associações funerais muito fortes, porém o esta memória se desfez no movimento romântico do século 19.

Rosas Undated 33 x 42.2 cm óleo na tela Victoria Dubourg e seu marido Henri Fantin-Latour era dois dos pintores assíduos na pintura floral do século 19. Os fundos escuros em seu trabalho destacam os arranjos florais pintados e altamente detalhados das flores, dando lhes a jóia como a qualidade.

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Still Life - com flores - 22.5 x 15 cm óleo na tela Georg Flegel ilustra muito bem a beleza da mãe terra e seus tesouros. As moedas e os escudos exóticos ao lado do vaso são os tesouros da terra. A caveira no vaso enfatiza que as flores, embora bonitas, se desvanecem e morrem. Os feijões no primeiro plano podiam ter diversos significados. Podiam ser feijões selvagens, que, por serem extremamente venenosos quando não cozinhados corretamente e são assim um lembrete da morte. Mas pelo fato de causar uma séria indigestão poderiam também ser um alusão a uma segunda vida ou vida depois da morte.

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A suposição da Virgem c. 1475-6 228.6 x 377.2 cm É uma pintura muito pessoal, Palmieri faz parte da ação: é a figura pintada, ajoelhando-se na esquerda. Sua esposa Niccolosa aparece também, vestida habitualmente com um Benedictine. A paisagem atrás deles seria familiar ao marido e à esposa. A vista atrás inclui a cidade de Florença, exibindo as fazendas e montes d’Elsa de Val. O tema da pintura é a morte da Virgem Maria, sendo recebida no plano celestial, e em seu enterro, repleto de lírios perfumados, que podem ser vistos no túmulo.

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The Roses of Heliogabolus 1888 132 x 214 cm óleo na tela As figuras estão afogando-se literalmente nas pétalas cor-de-rosa. O Imperador Marcus Aurelius Antonius - conhecido como Heliogabolus - notório líder romano, festeja entre milhares de pétalas de rosas. Na pintura, Heliogabolus e seus convidados olham assiduamente para outras pessoas, sufocadas até à morte. As rosas eram entregues semanalmente a Alma-Tadema, quando o retrato estava sendo pintado e muitos meses depois de sua conclusão, no assoalho de seu estúdio ainda podia encontrar pétalas de rosas.

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Algumas flores estimulam a imaginação humana muito mais do que outras, na civilização européia, a rosa caracteriza-se pelo forte apelo popular tanto na pintura quanto no cotidiano.

Na grécia antiga a rosa foi associada a Vênus, deusa do amor. Naquela época, as histórias vultuavam em torno da beleza, amor, e da tentação.

A Basket of Flowers with Sea Shells (Uma cesta de flroes com conchas do mar) - 38 x 47.7 cm óleo / tela Este arranjo inclui rosas e peônias ao lado das tulipas, que são arranjados despojadamente em uma cesta de vime, como ilustra a foto acima. O tema persistente da brevidade da vida é ilustrada aqui, principalemente pelas curta vida dessas flores.

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Flowers in a Glass Vase (Flores em vaso verde) - 1614 26 x 20 cm óleo no cobre Estas flores, quando pintadas, nunca estiveram juntas. Elas florescem em estações diferentes Esta pintura tende a transmitir amor a deusa mãe terra, simbolizando a beleza pura e curta das tulipas, mostra também a deteriorização de outros planos, como a mosca sobre a mesa, da lagarta que marcha em direção das tulipas amarelas / vermelha e da borboleta.

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Flowers in a Glass Vase on a Stone Ledge (Flores em um vaso de vidro e em uma borda de pedra) Undated 93 cm x 69.8 cm óleo sobre tela Quatro tulipas meticulosamente arranjadas, juntamente com rosas, peônias, lírios e mesmo a incomum amora. As tulipas eram altamente valorizadas no século 17, na Holanda. O mercado de tulipas, naquela época tornou-se fervoroso e os povos negociavam bulbos na expectativa de grandes lucros. Porém o mercado esfriou em meados de 1637, e, a tulipa tornou-se uma flor associada ao fracasso financeiro. As tulipas, nessa pintura estão entre as mais valorizadas daquela época, devido as suas formas e cores quebradas, esta variação, apesar de ainda desconhecida, a variação de cores era causada por um vírus.

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Flowers in a Stoneware Vase (Flores em vaso de pedra) Undated 58.3 x 41.9 cm óleo em tela Quando esta pintura foi concluída, as tulipas eram um fenômeno razoavelmente novo em Europa. Foram trazidos da Turquia e começaram somente a ser cultivados em Europa no século 16.

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As conotações cor-de-rosa do amor e da beleza derivam-se de Afrodite, deusa grega do amor nomeada “Venus” pelos romanos.
As origens da ligação de Venus com as rosas colocam-se intrincados em uma série dos mitos.
As rosas brancas vieram da espuma do mar de onde ela nasceu; as rosas cor-de-rosa vieram de suas vestes, quando Zeus a viu se banhar, e rosas vermelhas de seu sangue, em referência à seu amor por Adonis o qual foi rasgado pelos espinhos, que se transformaram em um emblema do amor e da dor em conflito.
O pensamento no renascimento foi inspirado pelo na fase clássica, assim, as rosas foram incluídas artisticamente nas pinturas de Vênus, e das senhoras que procuraram emular suas qualidades. Nenhum artista deu mais ênfase nesta cultura do que Botticelli. Suas pinturas complexas e bonitas capturaram mesmo a ligação entre Venus e a Virgem Maria, e como seres celestiais e percursoras do amor foram associadas com as rosas nas mentes dos artistas.

O girassol foi ligado também com o amor. Isto pode ser por causa de sua associação com lealdade e a devoção, que é baseada em como a cabeça da flor segue o sol através do céu.

Menino com bolhas de sabão - 1663 25.4 x 18.4 cm Óleo na lona A primeira impressão sobre esta pequena pintura (nada maior do que a mão de um homem) parece charmosa e dengosa. Porém a arte holandesa deste período é frequentemente sobre a brevidade da vida e esta imagem não é nenhuma exceção. Um caracol rasteja sobre a data - 1663 - no fundo da pintura. Os caracóis e os insetos, por causa de seus ciclos de vida curtos, ilustraram a brevidade do tema da vida e foram usados frequentemente na arte holandesa. No centro, a bolha representa algo que perfeitamente é dado forma e pode desaparecer em um instante. Finalmente o próprio girassol, sobre peitoril da janela, é usado porque é uma flor que mostra a beleza da luz por um espaço curto de tempo.
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Clytie c. - 1868 60.5 x 50.5 cm óleo no painel Na mitologia grega, Clytie era uma ninfa que caíra desesperadamente por amor ao deus do sol, Apollo. Assistia-o em sua jornada diariamente, de leste a oeste, mas seu amor nunca foi correspondido. Apollo transformou Clytie de uma ninfa da água em um girassol, porém sua devoção resistiu a essa transformação, procurando-o ainda, todos os dias, de leste à oeste, progressivamente, seguindo os movimentos de Apollo da mesma forma dos movimentos do girassol em relação ao sol.
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Love in Idleness - 1891 87 x 165.5 cm óleo na lona Muito bem sucedido em sua vida, o senhor Lawrence Alma-Tadema por acaso foi o melhor em representações da vida antiga da Grécia, Roma e Egito. No amor no Idleness, os modelos são senhoras muito obviamente bonitas, em trajes clássicos. As rosas são um tema comum no trabalho deste artista e parecem incorporar a beleza e a sensualidade de sua visão do mundo clássico.
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Sra. Langtry - 1877 66 x 76 cm óleo na lona A atriz Lillie Langtry era uma celebridade em seu tempo. Nativa de Jersey, chegou em Londres em 1876 e transformou-se logo em uma figura da alta sociedade. Na interpretação das flores, a rosa amarela leva ao significado ciumento e adúltero, enquando a rosa branca, mais afastada, significa o amor puro, silêncio e solitude, a rosa branca fala do silêncio de Edward Langtry em relação ao adultério da Sra Lillie Langtry.
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Retrato do senhor Kenelm Digby - c.1635 91.5 x 71 cm óleo na lona Nesta pintura, os girassóis foram usados para simbolizar a lealdade, porque seguem o trajeto do sol através do céu. Este retrato de Kenelm Digby, foi pintado após a morte inesperada de sua senhora Venetia Stanley. Os boatos que correram naquele tempo, foi que o Sr. Kenelm teria envenenado acidentalmente sua esposa com vinho e veneno de víbora a fim de preservar a sua beleza. Porém isso nunca foi provado e, muitos anos depois, o retrato com seu glamouroso girassol foi pintado. O significado do girassol aqui é ligeiramente obscuro. Poderia denotar devoção durável a sua esposa, ou simbolizar a sua lealdade à igreja Católica, à qual se re-converteu após sua morte de sua esposa.
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Regina Cordium - 1866 59.7 x 49.5 cm óleo na lona Regina Cordium, traduzida como a rainha dos corações, em uma pintura repleta de simbolismo sobre o amor e as matérias do coração. As rosas cor-de-rosa eram símbolos populares do amor. A mulher segura uma íris, que, como o lírio, denota a pureza e frequentemente associada a Virgem Maria.
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Sun and Moonflowers - 1889 71.25 x 71.25 cm óleo na lona Mais precisamente no século 19 os girassóis se tornaram muito populares, chegando a representar o movimento estético “arte pela arte”. Quando o Sun and Moonflowers foi pintado o movimento firmava-se com toda a força, primeiramente, as duas lânguidas meninas na pintura mostram sua afiliação ao movimento com os girassóis maravilhosamente arranjados, as cores azul e branco, com sua associação com a porcelana japonesa, foram consideradas, juntamente com o amarelo as cores padrões deste movimento artístico.
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The Virgin and Child - c. 1515-25 48.3 x 36.8 cm Nesta delicada pintura da Virgem Maria e Criança, Maria suporta suavemente seu filho enquanto está em um tapete no primeiro plano e as grinaldas das rosas estão estendidas atrás dela. As rosas assumem diretamente a associação com Maria: as rosas vermelhas representaram o sofrimento de Cristo, e as rosas brancas representam a sua pureza. A rosa foi associada com o amor, e o amor de Maria representa a perfeição absoluta. As grinaldas de rosas no fundo da pintura, pretendiam refletir o rosário.
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Venus Verticordia c - 1863-68 82 x 69 cm óleo na lona A mulher nesta pintura é a deusa do amor antigo - É a figura sensual que tira os homens da fidelidade com a flecha sua mão, pronta para fisgar corações. As rosas na pintura de Rossetti representam quase sempre o amor, e estes exemplos completamente fundidos, e densamento sensuais não são nenhuma exceção.
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Wilton Diptych - c. 1395-9 53 x 37 cm Esta pintura é referente a Richard II, o qual ajoelha-se em orações e está cercado por aliados, sendo apresentado por três santos à Virgem Maria e a Cristo. A obra foi pintada em dois painéis articulados de carvalho e foi criada para ser dobrada. As rosas cor-de-rosa nas cabeças dos anjos e dispersadas na terra seriam Rosa Gallica e - o vermelho originalmente pintado na cor.

A Floricultura Florencanto está intimamente relacionando as novas criações em arranjos de flores, bouquets e novas coleções levando em conta a Arte, as pinturas, as idéias e emoções expostas nas cores e flores. Acima, colocamos as nossas interpretações a cerca de cada tela, levando em conta as cores, épocas e as emoções.
Por favor, sinta-se muito bem vindo e aproveite nosso espaço e insira na forma de “comentário” a sua perspectiva das telas apresentadas.

VAN GOGH, Vincent - Girassóis

1853 - 1890

Óleo na lona 92.1 x 73 cm.

Assinado: Vincent
Esta é uma de quatro pinturas de girassóis entre agosto e setembro de 1888.
Comprado pelos Trustees do Courtauld Fund, 1924.

VAN GOGH pretendeu decorar o quarto de Gauguin com estas pinturas em uma então chamada, “casa amarela” a qual alugou em Arles, no sul de França.

Gauguin e VAN GOGH trabalharam juntos entre outubro e dezembro 1888. Este escreveu à seu irmão Theo em agosto 1888:
“Estou trabalhando duro, pintando com o entusiasmo em um Marseillais comendo bouillabaisse, não surpreenderás quando souber que estou pintando alguns girassóis. Quando concluir esta idéira, haverá uma dúzia de painéis. Assim o trabalho completo será uma simfonia de azul e amarelo. Estou trabalhando na tela do girassol a cada manhã, porque as flores desvanecem-se rapidamente, agora estou no quarto (4º) retrato de girassóis com um grupo de 14 flores… dá um efeito singular.”
As flores morrendo são construídas acima com pinceladas grossas (impasto). O impasto invoca a textura das semente-cabeças.

Camionete Gogh produziu um réplica desta pintura em janeiro 1889, e talvez uma outra mais tarde no mesmo ano.

Abelhas atraídas por pinturas de flores de Van Gogh

Abelhas preferem pinturas com flores, mesmo que elas nunca tenham visto uma flor antes, segundo uma pesquisa realizada por cientistas em Londres. Um grupo de pesquisadores da Faculdade “Queen Mary” da Universidade de Londres colocaram quatro quadros (dois de flores) na trajetória de vôo das abelhas e acompanharam o local de sua aterrissagem.

Estas abelhas, pousaram sobre os dois quadros que possuíam mais flores, sendo o favorito a pintura Girassóis do pintor holandês Van Gogh, um dos mais renomados artistas impressionistas. O fato mais impressionante foi que as abelhas jamais haviam visto flores, sendo que eram criadas em cativeiro.

Quase 11% das aproximações das abelhas aos quadros com flores terminaram em pouso, e, quase o triplo da taxa de 4% registrada nas outras pinturas.
Além de Girassóis, os cientistas mostraram às abelhas os quadros “Um vaso de flores”, de Gauguin, “Cerâmica”, de Patrick Caulfield, e “Natureza morta com uma caneca de cerveja”, de Fernand Léger, e, de acordo com os resultados, as pinturas com flores capturaram mais a essência das características florais de um ponto de vista das abelhas, e que estes aspectos são reconhecidos por abelhas que nunca tinham sido expostas a uma flor anteriormente. Conclusivamente, as flores contêm todos os ingredientes que uma abelha precisa para desenvolver – pólen e néctar - e as abelhas têm preferências estéticas por aquelas flores que oferecem a melhor fonte de riqueza e, sendo estas, associada com flores ricas em néctar, o azul fica sendo a cor predileta das abelhas. Isso explica por que as abelhas foram fortemente atraídas pela assinatura em azul de “Vincent” no quadros de Van Gogh, assim como os botões azuis de “Um vaso de flores”, e um quadrado azul claro em “Natureza morta com uma caneca de cerveja”.

Flores são uma componente conspícua e bem estabelecida das culturas humanas, e se espera que flores nos façam sentir felizes e positivos. Por quê?”. Embora o pesquisador Chittka admita ser difícil testar essa idéia, acha que vale a pena refletir sobre ela, sobretudo sobre a preferência européia por flores alaranjadas ou vermelhas (cores dos frutos que atraem primatas), em detrimento de azuis, por exemplo, as preferidas das abelhas por estarem associadas a um alto conteúdo de néctar. “Talvez esse gosto seja conseqüência da evolução de outro caráter ou característica, como a frugivoria (hábito de alimentar-se de frutos)”, pondera Chittka. Ele admite que a percepção de cores pelos seres humanos, certamente, não foi diretamente influenciada pelas flores num sentido evolutivo. “Mas, prestar atenção nas flores pode ter trazido benefícios na história evolutiva humana, porque flores são indicativas de outros recursos que são mais úteis do que as próprias flores“, especula Chittka, que pretende continuar investigando as origens evolutivas da percepção e da “preferência estética” em abelhas e peixes.